En el plano comercial, el fin de semana se encuentra estelarizado por un lanzamiento específico que tiene asegurada la taquilla, más allá de lo que digan los críticos. Y es que ya sabemos lo mucho que gustan las producciones de superhéroes, más allá de que se diga ahora que estas se encuentran de capa caída.
Sin embargo, en términos de prestigio y de calidad, la misma cinta tendrá que lidiar con el estreno simultáneo de varias películas que prometen figurar ampliamente en las próximas ceremonias de premios a raíz de sus méritos artísticos. A continuación, los detalles.
AQUAMAN AND THE LOST KINGDOM
Director: James Wan
Reparto: Jason Momoa, Patrick Wilson, Amber Heard
Género: Superhéroes / Acción
Cinco años después de su más reciente aparición en el universo de la acción real, el Aquaman de Jason Momoa regresa a las salas de cine del mundo entero con una película que dividirá a los críticos y a los fans debido al tratamiento particularmente ligero que le brinda a las aventuras de su protagonista.
“Aquaman and the Last Kingdom” es una secuela directa de “Aquaman” (2018), lo que llama la atención en vista de que, en la mayoría de los casos, las cintas individuales de superhéroes tienen a sus espaldas otras cintas en las que ha aparecido el mismo personaje, lo que obliga al espectador a estar familiarizado con una multitud de detalles que complican la apreciación del trabajo más reciente.
Por ese lado, el filme actual llega no sólo libre de pesos innecesarios, sino que acentúa el carácter juguetón y superficial de su antecesor, que fue de hecho dirigido por el mismo cineasta, James Wan (“Saw”, “Furious 7”). Este tono increíblemente liviano desagradará sin duda a quienes celebran los progresos de esta clase de producciones en lo que respecta a la construcción de personajes y al desarrollo de sus historias, pero, a estas alturas, debido a la saturación de esas mismas propuestas, la idea no deja de resultar refrescante.
Momentos de acción, vestuario, maniobras y más quedaron al descubierto en el detrás de cámaras de la película “Aquaman and the Lost Kingdom” que el actor Jason Momoa mostró en la DC FanDome 2021, .
En este caso, Arthur Curry/Aquaman, que se ha casado con Mera, la reina de la Atlántida (Amber Heard) y se ha convertido en un padre de familia, debe alternar su vida en la superficie de la Tierra con su labor como monarca del mismo dominio subacuático. Pero la llegada de un nuevo peligro representado por un viejo enemigo, David Klane/Black Manta (Yahya Abdul-Mateen II), lo fuerza a regresar al campo de batalla y a solicitar la ayuda de su medio hermano Orm Marius (Patrick Wilson), quien fue puesto por él mismo en prisión al final de la primera entrega.
Fuera de comentarios convenientes e inofensivos sobre el cambio climático y las dinámicas familiares, el relato presente en “The Lost Kingdom” es una simple excusa para la elaboración de una película de entretenimiento descaradamente hollywoodense que cuenta con momentos divertidos, espectaculares escenas de acción y locaciones fantásticas.
Eso no quiere decir que la cinta sea buena, ni que no hubiera podido ser mucho mejor con la presencia de personajes más interesantes, con situaciones más verosímiles (incluso dentro del tipo de realidad que maneja), con efectos especiales menos dependientes de la tecnología digital (hay momentos que parecen directamente extraídos de un videojuego), y, sobre todo, con alguna clase de química entre Momoa y Heard.
Se sabe ahora que, debido a lo sucedido con Johnny Depp, la relación entre los dos actores no fue precisamente ideal durante el rodaje; pero nunca pensamos que eso perjudicaría tanto lo que se ve en la pantalla. Lo que sí parece bastante seguro es que no los veremos más juntos.
LA SOCIEDAD DE LA NIEVE
Director: J.A. Bayona
Reparto: Enzo Vogrincic Roldán, Matías Recalt, Agustín Pardella
Género: Drama histórico de supervivencia
El caso del accidente aéreo sucedido en una zona remota de los Andes a inicios de los ‘70, que generó un fiero drama de supervivencia de 72 días en el que se involucró el canibalismo y que estuvo protagonizado involuntariamente por un equipo uruguayo de rugby, no es únicamente conocido en Latinoamérica.
Debido a su alto perfil internacional y a los debates morales que suscitó, el caso fue llevado a la pantalla grande por Frank Marshall en “Alive” (1993), una película estelarizada por Ethan Hawke que convenció a la audiencia y a los críticos en su momento, pero que no dejó satisfechos a los supervivientes de la vida real debido a que se encontraba evidentemente emplazada en otro territorio (se rodó en Canadá) y estuvo completamente interpretada por actores anglosajones.
Las cosas lucen distintas en “La sociedad de la nieve” (“Society of the Snow”), que llega este viernes a salas selectas como preludio del lanzamiento que tendrá el próximo 4 de enero en Netflix. Esta es, además, la apuesta española para competir en la categoría de Mejor Película Internacional del Oscar, y ha sido nominada ya al apartado de Mejor Película en Lengua Extranjera de los Globos de Oro.
En ‘La sociedad de la nieve’, J.A. Bayona ofrece una perspectiva distinta de una tragedia muy particular
Sucede que, en este caso, la misma historia es presentada en español, de la mano de un reparto conformado por uruguayos y argentinos y con un sentido de la autenticidad que se ve reforzado por los intentos hechos para reproducir minuciosamente el aspecto de las locaciones reales, tanto con la ayuda de tomas realizadas en el complicado entorno original como con la asistencia de sobreimposiciones digitales en los planos que fueron filmados en Sierra Nevada, España.
El deseo de acercarse más a los sentimientos de los supervivientes en medio del devastador suceso se traduce en el empleo de un libro reciente que incluye testimonios de cada uno de ellos a manera de capítulos, y que se titula del mismo modo que el filme. Una de las diferencias con lo que se ha visto anteriormente es que, a diferencia del filme de Marshall, este pone a lo espiritual por encima de lo religioso.
Pero la novedad mayor es la decisión tomada por el director y coguionista J.A. Bayona (“The Impossible”, “El orfanato”) para colocar como protagonista y narrador a uno de los fallecidos, Numa Turcatti (interpretado por Enzo Vogrincic Roldán), lo que le permite ofrecer una perspectiva ausente en todos los trabajos guionizados o documentales del pasado.
Bayona, de origen español, es también un estupendo director que puede rodar tanto de manera brillante situaciones de desastre ocurridas en la vida real (lo había probado en “The Impossible”) como secuencias íntimas que revelan la verdadera naturaleza de sus personajes. Y en este caso, logra emocionarnos y ponernos más cerca que nunca de unos seres humanos cuya impactante experiencia parecíamos conocer al derecho y al revés.
POOR THINGS
Director: Yorgos Lanthimos
Reparto: Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe
Género: Comedia negra / Fantasía
Si lo tuyo no son las mega producciones hollywoodenses volcadas al entretenimiento más simple y desprovistas de carácter propositivo, tu mejor estrategia en estos días es evitar por completo la publicitada entrega de superhéroes que se encuentra en casi todas las salas y dirigirte hacia los cines selectos que exhiben ya la delirante, desafiante y estupenda “Poor Things”.
Además de ser la nueva película del gran director griego Yorgos Lanthimos, de tener amplias posibilidades de ser nominada en categorías importantes del Oscar y de haber recibido siete nominaciones para los Globos de Oro (incluyendo las que corresponden a los apartados de Mejor Película - Musical o Comedia y Mejor Actriz - Musical o Comedia), “Poor Things” cuenta con una espectacular actuación de Emma Stone, quien funge también de productora.
En vista de la reputación de su creador, que mostró escenas de incesto dentro de una familia profundamente disfuncional en “Dogtooth” (2009), que expuso a sus personajes a la posibilidad de convertirse en animales salvajes si no conseguian rápidamente una pareja sentimental y sexual en “The Lobster” (2015) y que nos presentó a un adolescente trastornado que se obsesionaba con un médico en “The Killing of a Sacred Deer” (2017), no es de extrañar que “Poor Things” siga un camino atípico y escabroso.
Watson protagonizó la cinta anterior de Lanthimos, “The Favorite” (2018), un trabajo de época considerablemente medido para lo que se esperaba del realizador. En este caso, asume el rol más intenso de su carrera al entregarse a Bella, una muchacha de la época victoriana cuya extraña conducta está íntimamente relacionada con los experimentos desarrollados por su protector, el extravagante y deforme científico Godwin Baxter (Willem Dafoe).
Disney nunca barajó otra opción que la de contar con Emma Stone para encarnar a la villana más extravagante y carismática de su catálogo, Cruella de Vil, en la película que repasa la vida del personaje.
Pese a estar comprometida en matrimonio con Max (Ramy Youssef), el joven e inofensivo asistente de Baxter, Bella decide emprender un largo viaje al lado del inescrupuloso abogado Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), fomentada por sus deseos incontenibles de conocer el mundo.
El descubrimiento no será sólo geográfico y cultural, sino también -y sobre todo- profundamente sexual, lo que expone a Stone de manera constante -y en más de un sentido-. Pero donde la ganadora del Oscar se luce más es en el desarrollo psicológico de un personaje que, en medio de su natural confusión, resulta tremendamente divertido y felizmente extrovertido.
Debido a características que preferimos no revelar para no caer en ‘spoilers’, y que resultan sin duda controvertidas, Bella se comporta con una inocencia inaudita para alguien que luce como ella. El guión, escrito por el australiano Tony McNamara (“The Favorite”) sobre la base de una novela del escocés Alasdair Gray, se esmera por evitar los juicios morales y por ponerse del lado de su protagonista, lo que le quita el carácter profundamente perturbador que han tenido otras obras del mismo autor, hasta el punto de que esto podría ser considerado legítimamente como una comedia.
Esta circunstancia ha generado ya polémica en diferentes círculos, incluido el feminista, porque Bella incurre en actividades de servicio -por llamarlas de algún modo- que benefician básicamente a los hombres. Pero esto no le quita ni una pizca de poder a una cinta que se encuentra estupendamente filmada (el paso del blanco y negro al color y el ambiente surreal con que se retrata todo están plenamente justificados) y que, de todos modos, se desarrolla en una suerte de universo paralelo, pese a transcurrir supuestamente en la Europa del siglo 19.
THE IRON CLAW
Director: Sean Durkin
Reparto: Zac Efron, Jeremy Allen White, Harris Dickinson
Género: Drama deportivo y biográfico
El mundo de la lucha profesional ha sido objeto de producciones cinematográficas en múltiples ocasiones, y estas incluyen la recreación de historias que tienen que ver directamente con los clanes de sangre, como sucedió recientemente en “Fighting with My Family” (2019), un drama protagonizado por Florence Pugh que se inspiraba en las experiencias reales de los Bevis, oriundos de Inglaterra.
Ahora, las vivencias de los Von Erich, de Texas, llegan a la pantalla grande gracias a los esfuerzos de Sean Durkin, director de las excelentes “Martha Marcy May Marlene” (2011) y “The Nest” (2020), y de la mano de una actuación sobresaliente de Zac Efron, quien sigue siendo recordado por muchos como el ídolo adolescente de la saga de “High School Musical” (2006-2008) y otras comedias de la época, pero que ha dado muestras inequívocas de talento histriónico en títulos recientes como “Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile” (2019) y “Gold” (2022), donde sus atributos físicos no resultaban imprescindibles.
Para tenerlo claro, la musculatura de Efron no juega sólo un rol esencial en “The Iron Claw”, sino que se encuentra más desarrollada que nunca y es aplicada a numerosas escenas de pelea, porque él mismo interpreta a Kevin Von Erich, el integrante del clan que llevó el mayor peso de la responsabilidad en la etapa más exitosa de los Von Erich.
Pero el presente filme no es únicamente una recopilación de combates sobre la lona, de enemistades fuera de ella y de competitividades inevitables, sino también un drama con profundas aristas psicológicas que responde a las numerosas tragedias que afectaron a esta familia, manejada por un patriarca dominante que respondía al nombre de Fritz Von Erich (y que es brillantemente interpretado por Holt McCallany).
Se trata de circunstancias que son de conocimiento público para cualquiera que se encuentre familiarizado con esta disciplina, pero que, de ser reveladas, se transformarían en ‘spoilers’ para quienes vean esta película sin estar al tanto de ellas.
Sea como sea, es necesario decir que, en medio de todo el drama que observamos, Kevin mantiene la mirada más razonable y compasiva de todos los participantes, ajeno a los arranques de ego y de celos de quienes lo rodean; y, más allá de las proezas físicas, Efron logra que este aspecto de la personalidad del luchador sea completamente creíble.
THE TEACHERS’ LOUNGE
Director: İlker Çatak
Reparto: Leonie Benesch, Michael Klammer, Rafael Stachowiak
Género: Drama
No basta con ser una persona decente y con tener buenas intenciones para que las cosas funcionen como deberían funcionar o para ser simplemente respetado. Y eso es algo que tiene muy en claro “The Teachers’ Lounge” (“Das Lehrerzimmer”), el excelente drama alemán que se estrena el 25 de diciembre en el Laemmle Royal y que ha sido elegido por su país de origen para representarlo en la contienda por los Premios de la Academia.
La protagonista de la historia es Carla Nowak (Leonie Benesch, excelente), una joven maestra de origen polaco que empieza a trabajar en una escuela secundaria de Alemania y que tiene todas las intenciones del mundo para ser justa en su trato con los estudiantes que le corresponde formar.
Sin embargo, luego de que empiezan a circular acusaciones de robo que involucran supuestamente a algunos de ellos, ella misma se ve involucrada en un caso que se la va rápidamente de las manos y que la pone entre la espada y la pared, enfrentada a un grupo de alumnos que empieza a verla con recelo y a un círculo de profesores que buscan imponer las reglas de una manera más tradicional.
Filmando con un ‘ratio’ de 4:3 para enfatizar la sensación de claustrofobia que empieza a imponerse a medida que las cosas se complican, el director y guionista İlker Çatak impone inicialmente un fuerte sentido de realismo social, pero termina metiéndonos de lleno en un ‘thriller’ cuyas vibrantes cuotas de suspenso no esperábamos ver en una producción que, además de la temática que maneja, se limita a una sola locación.
MAESTRO
Director: Bradley Cooper
Reparto: Bradley Cooper, Carey Mulligan, Matt Bomer
Género: Drama biografico
En un momento ya avanzado de la película, Bradley Cooper ofrece lo que resulta sin duda el esfuerzo más grande de la producción en lo que corresponde al plano expresivo mientras interpreta al legendario conductor y compositor Leonard Bernstein en medio de una presentación en vivo que lo muestra sudoroso y apasionado, y que se encuentra filmada en una sola toma.
El momento es digno de verse, claro, pero no es necesariamente el más representativo de “Maestro”, una cinta dirigida, coproducida y coescrita por el mismo Cooper que se lanza este viernes en Netflix luego de haber sido brevemente exhibida en salas selectas y que tiene ya cuatro nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo la de Mejor Película - Drama.
De hecho, quienes esperen obtener detalles sobre el proceso creativo del legendario autor de la música de “West Side Story” o profundizar en sus técnicas al mando de la batuta quedarán profundamente decepcionados tras ver esto.
Cualquier indicio de esperanza de un romance en la vida real entre Lady Gaga y Bradley Cooper fue rotundamente frenado por la cantante y compositora.
Donde la cinta sobresale realmente es en el desarrollo psicológico de sus personajes; y lo decimos en plural porque, aquí, Bernstein no es el único protagonista, sino que lo es también su esposa Felicia Montealegre, encomendada a la actriz británica Carey Mulligan (“Drive”, “Promising Young Woman”). Montealegre, que también era actriz, nació en Costa Rica y se crió en Chile, por lo que tenía todo el sentido del mundo que hubiera sido interpretada por una latina; pero lo cierto es que Mulligan no lo hace nada mal.
Al contrario. Las frecuentes interacciones que tiene con Cooper a lo largo de la película son el aspecto más destacado de la misma, así como el que le da a ésta un sentido de autenticidad y de realismo que no se podría haber obtenido sin la existencia de un guión tan sólido, de unos actores tan dotados y de una puesta en escena tan eficiente.
Bernstein y Felicia no son los únicos que hablan extensamente, por cierto; hay conversaciones que involucran a otras mujeres de la familia, como la hermana de Leonard, Shirley -que es interpretada por Sarah Silverman-, y la hija de Leonard y Felicia, Jaimie -que es interpretada por Maya Hawke-. Queda claro que Cooper buscaba retratar el lado más íntimo y doméstico del genio musical, lo que lo lleva a soslayar su participación activa en el movimiento por los derechos civiles y sus diversos intereses humanitarios. Tampoco se habla mucho de su naturaleza judía, que se expresaba de modos inusuales.
“Maestro” es una obra que celebra y admira a Bernstein, por supuesto, y que le echa una mirada compasiva a los conflictos generados por la aceptación de su propia bisexualidad, pero que no busca la aprobación fácil de sus arranques de inseguridad, de sus infidelidades y de sus contradicciones, incluso cuando no hace mención verbal alguna al modo en que su uso constante del tabaco (porque, visualmente, aparece fumando en casi todas la escenas) tuvo que ver con el enfisema que acabó con su vida.
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